Pedro Portugal
Dic. 4, 2024

Pedro Portugal

Entrevista realizada por João Prates

Pedro Portugal nació en Castelo Branco en 1963 y es una de las figuras icónicas y multifacéticas del arte contemporáneo portugués. Se graduó en pintura por la Escuela Superior de Bellas Artes de Lisboa en 1985 y fue uno de los fundadores del movimiento Homeostético, junto con Pedro Proença, Ivo, Manuel João Vieira y Xana. Este movimiento desafió las normas artísticas establecidas, promoviendo un arte cargado de ironía y crítica social. En 2004, el Museo de Serralves reconoció la relevancia del grupo con una amplia retrospectiva. Pedro Portugal también fue uno de los creadores de los movimientos Ases da Paleta, Etno-Estética, Explicadismo, Pandemos, Zuturismo, Arthomem y KWZero.

Sus obras están presentes en prestigiosas colecciones públicas y privadas. Especialista en información visual, Pedro es pintor, escultor, acuarelista, performer, escritor, político, pensador, agricultor, consultor, profesor, investigador, diseñador, conferenciante y curador, abordando el arte como un campo de constante experimentación y crítica. Esta entrevista busca explorar la trayectoria de Pedro Portugal, revisitando sus fases más significativas en el contexto de las obras ahora editadas. 

 

¿Cuándo y cómo te diste cuenta de que el arte era tu camino?

Cuando mis padres me llevaron a Roma a los siete años y vi cientos de hombres y mujeres desnudos en pinturas en las paredes. Cuando una civilización disfruta viviendo con pinturas de hombres y mujeres desnudos interactuando de diferentes formas y posiciones en cada habitación de la casa, incluyendo los dormitorios de los niños, me pareció en ese momento una profesión rentable. Más tarde, me di cuenta de que los hombres y mujeres sin ropa no tuvieron vello púbico hasta finales del siglo XIX, y donde crecía, fue pintado a lo largo de los siglos con vides y cabellos largos en miles de pudendas. ¡Lo mismo con las sonrisas! No hay representación de sonrisas en la pintura hasta finales del siglo XIX.

 

¡Hombres y mujeres desnudos con la boca cerrada en combinaciones mitológicas y pudendas ocultas podrían haber sido mi camino! Pero no lo fue.

 

¿Cuál es, en tu opinión, el papel que desempeñó el movimiento Homeostético en el panorama artístico de los años 80? ¿Qué buscaban cuestionar?

Cuestionarlo todo, como hacen todos los movimientos artísticos, especialmente lo que les precede. La Homeostética es la epítome de los años 80 y también el último grupo de artistas en trabajar juntos, hasta hoy. Con 23, 24 años dividimos el mundo en seis continentes y realizamos las pinturas más grandes de la historia del arte en Portugal (200 x 1000 cm). Pero es como esas bandas de rock que tienen una canción en el top y luego se separan con una reunificación imposible. En la exposición 6=0 HOMEOSTÉTICA en Serralves, realizada en 2003, puede apreciarse ese aire de la época en las obras, fotografías, textos y manifiestos. Es, en realidad, una exposición de final de carrera de Bellas Artes hecha 20 años después en un museo serio. Para entender todo sobre este fascinante y cancelado grupo de artistas hombres heterosexuales, amantes del sexo, el alcohol, las drogas, el rock, el arte, el teatro, el cine, la arquitectura y los coches, el catálogo editado por Serralves y el documental realizado por Bruno de Almeida lo explican todo. También para ilustrar esa época estoy escribiendo un libro con los miles de fotografías que tomé con las primeras cámaras auto-focus en fiestas e inauguraciones: OS8Ø. Artistas, coleccionistas, galeristas, críticos y disfrutadores de la vida que circularon por las galerías y museos en esa época. Más de la mitad ya han muerto.

 

A partir de los años 90, empezaste a explorar otros medios de expresión como la fotografía, la informática, la escultura y la instalación. ¿Por qué te acercaste a esos lenguajes y cómo conceptualizas la idea y el proceso?

Dejé de fotografiar en 1995. Los artistas siempre han buscado utilizar las innovaciones tecnológicas para su arte, pero la atribución y el significado son muy diferentes a lo largo de la historia. Los griegos no tenían una palabra para arte ni para azul. Techne era la palabra más cercana para arte: técnica. El color del mar era algo cercano al color del vino oscuro. La perspectiva es una invención técnica inmediatamente utilizada por los artistas, y luego el tubo de pintura que permitió a los artistas salir al campo y crear el impresionismo.

 

En 1996, presentaste la primera exposición online de un artista portugués. Ese año también marcó tu colaboración indirecta con el CPS en la primera galería portuguesa que tuvimos en Madrid, la Blanca de Navarra. ¿Qué recuerdos guardas de esa exposición y qué representó para ti?

La presentación en el Forum Picoas de la exposición "Mujeres y hombres desnudos con la boca cerrada en combinaciones mitológicas con pudendas ocultas" podría haber sido mi camino. ¡Pero no lo fue! 17ª edición virtual “Últimas Pinturas” fue un fracaso comercial porque en esa época había 80,000 personas con acceso a Internet en Portugal con módems de 28,8k. Dejé la tecnología debido a la famosa obsolescencia. Culturgest tiene en su colección una obra mía de 2001 que incluye un software que corre en Windows 98. La institución mantiene una computadora de esa época para usar siempre que la obra sea presentada. La Blanca de Navarra fue la gran galería de vanguardia en la Península Ibérica en los años 90.

 

Algunas de tus obras son profundamente intervencionistas, como el "eucalipto invertido con coche de lujo" en la rotonda del reloj, el “circuito de mantenimiento” en las escaleras del Palacio de São Bento o la “botella de agua de Alqueva”. Todas con preocupaciones ecológicas. ¿Cuál es la dimensión social y política que atribuyes a tu obra?

Aparentemente las cosas artísticas que se ponen en la calle tienden a causar tumulto. Más por el sentido que se les da. Plantar un eucalipto con la raíz hacia arriba es políticamente y socialmente aceptable, hasta ecológicamente, porque el árbol estaba enfermo y pasa a ser un objeto curioso, parece un tronco con un nido encima. Pero pintarlo de color naranja, estacionar un coche de lujo al lado, poner una gran placa de granito que diga "MONUMENTO AL ESTADO NARANJA" a meses de las elecciones legislativas, pasa de ser inaceptable a ser derribado. En una época en la que Cavaco había promovido el eucalipto como petróleo verde, más artículos en el Público y Expresso — el entonces Concejal de Turismo de la CML, Victor Costa, aprovechando el hecho de ser un programa de arte efímero, manda cortar el monumento una semana después. Cobardemente durante la noche. En enero de 2025 instalaré en Lisboa junto al Tajo el grandioso “MONUMENTO A LA FLORESTA PORTUGUESA”. Un eucalipto plantado con la raíz hacia arriba, pero esta vez pintado con goma líquida, como nuestros submarinos y con iluminación nocturna en rojo RAL 3000 (el color de los coches de bomberos). Un monumento icónico y sacrificial a los más de 150.000 hectáreas que se quemaron este año. Portugal arde por la legislación que permite que las cuatro reinas malas de las industrias de la madera y papel tengan el dominio del paisaje en Portugal. Un hectárea de eucaliptos puede generar hasta 20.000€ cada nueve años (el doble que el montado) lo que la convierte en la cultura más rentable. Incluso quemados siguen dando dinero. Las cuatro reinas malas financian universidades, asociaciones ecologistas, grupos de protección de la naturaleza, publicaciones, patrocinan programas de televisión, canales, RS, y ahora, beneficiándose de la nueva legislación sobre el mercado de créditos de carbono, se preparan para certificar sus bosques de eucaliptos (los mayores sepultureros de carbono) y ganar 80€ por hectárea/año. Los romanos cuando nos visitaron hace 2.000 años describen un bosque de castaños hasta la Ericeira. Cuando Napoleón invade Portugal, los registros hablan de un desierto hasta el mar... Prefiero mirar al planeta como James Love-lock o Terence McKenna y no hacer nada en un bosque de robles del tamaño de Monsanto, a 700 m de altitud, donde vivo con mi esposa, un hijo pequeño y dos borzois blancos.

 

Una de las ediciones presentadas parte de una pintura tuya. ¿Cómo ves, hoy en día, el lugar del dibujo y la pintura en tu práctica artística?

Dejé de pintar en 1996 con la exposición virtual “Últimas Pinturas”, pero sigo haciendo series de dibujos que enmarco en maderas de árboles extintos. Ahora la mayoría de las obras que produzco son hechas en fábricas o por artesanos.

 

En "Bananoji", existe una referencia irónica, y también lúdica, directamente a Maurizio Cattelan, y, indirectamente, a Warhol, los Velvet Underground y Duchamp. ¿Cómo interpretas esa red de referencias?

Los artistas hacen obras de arte a partir de obras de otros artistas. Picasso picassó toda la historia del arte. El "Bananoji" es un juego lingüístico y una interrogación filosófica sobre el vaciamiento semántico de los símbolos en la cultura contemporánea. Una de las muchas maneras de hacer arte es juntar dos cosas que nunca estuvieron combinadas dentro de un museo o galería de arte: una banana y cinta adhesiva. Un ícono que destrona 107 años de dominio de un urinario de cerámica que ni siquiera era de Duchamp. Es el devenir señalado por Deleuze en la transformación de nexos y categorías en el tiempo.

 

El arte se dobla cuando hay un “acontecimiento” como un urinario que se voltea al revés y se llama “Fountain” o cuando una banana se pega a la pared con cinta adhesiva y se llama “Comedian”.

 

Como la validación del arte está certificada por las galerías y museos, el trabajo de los artistas hoy en día es convencer a los dueños de galerías y directores de museos de poner dentro de esos espacios, que tienen la capacidad mágica de transformar combinaciones de objetos o cosas que aún no han sido combinadas, como un urinario en excremento de elefante o dos latas de cerveza en el suelo, y obtener la sanción como arte. Atención que este también es el argumento de la extrema derecha. Camille Paglia dice que hay una ortodoxia monolítica imperativa en el mundo del arte que no es buena para el arte. Todo es estéril, nivelado y con una inflación de mediocridad nunca vista. O para Roger Scruton: El arte de los últimos 100 años es un fraude, una ilusión escandalosa que solo sirve para tirar a la basura. Hace aproximadamente un año hablé con uno de los mayores coleccionistas de Portugal que solo compra arte hasta el siglo XVIII. En la conversación le pregunté si alguna vez había probado comprar arte contemporáneo. La respuesta fue que los artistas contemporáneos solo están interesados en hacer arte para sorprender al público.

 

Eres crítico del medio artístico y de los sistemas de legitimación cultural. Tu serie de emojis evoca figuras como Dalí, Frida Kahlo, Warhol y Lichtenstein, cruzando ironía y risa. ¿Cómo ves el humor como forma de subversión?

El arte es algo muy serio, da trabajo a muchas personas y no se puede jugar con el arte. Tengo un sentido de humor negativo y tal vez por eso pueda ser interpretado como cómico o irónico, lo que también me es ajeno. Crítico del medio artístico sí y de los sistemas de legitimación cultural también. Escribí decenas de artículos en periódicos y revistas sobre el tema. Y sí, tuve que ser yo quien inventara la Comisión de Adquisiciones de Arte Contemporáneo del Estado. Negocié de un millón a 300.000€ con el tacaño de Centeno, pero ahora ya es un millón al año. En los dos años en que estuve en el jurado (durante la pandemia) todo fue pésimo y casi renuncio. Escribí un texto sobre “Mi Aventura en la Comisión de Adquisiciones”, que incluye la carta de dimisión. A publicar más tarde... La DGARTES sigue teniendo el 8% del presupuesto para las artes visuales. Ningún ministro de cultura ha cambiado eso en los últimos 50 años. Un amigo mío, funcionario del Museo del Chiado, nunca más se presentó en el Museo porque dice que el Museo del Chiado no existe. Estuve en una discusión con una exministra de cultura que pensaba que la DGARTES no debería pagar la producción de obras a los artistas porque los artistas luego podían vender... La DGARTES paga los pinceles, pinturas y lienzos al artista y luego el “pícaro” vende las pinturas. Hay una total iletracidad visual en la clase política. Solo hay un político que estudió artes visuales, pero la opinión que tiene de los artistas es que son unos pícaros: Sérgio Sousa Pinto.

 

Entendemos las ediciones realizadas en el CPS como humanizadas y colaborativas, facilitadoras del acceso al arte. ¿Cuál es, desde tu punto de vista, la función social de la obra gráfica y los múltiples de arte?

¿La función social del arte como la vivienda social? Está el “quiet luxury” de los superricos cool de poner un Monet en el baño o en el vestidor. No se puede comprar un vestido Balenciaga pero se puede comprar un pañuelo o un pequeño accesorio. Así es como hacen dinero. Los socios del CPS tienen que pensar a qué distancia piensan en la inversión que hacen al comprar un múltiplo. ¿A 500 o a 5.000 años? Si es a 5.000 años, es recomendable obras en cerámica o vidrio. El papel puede conservarse hasta 500 años. Con los colores no hay garantía. La garantía de LIQUITEX es de 50 años y los Rothkos empezaron a desaparecer...

 

Vivimos una época turbulenta y de grandes desafíos. ¿Qué papel debe desempeñar el arte en tiempos críticos y de transformación social?

En realidad, todas las épocas han sido turbulentas y de grandes desafíos. Hubo un momento al principio de la historia en el que los humanos dedicaron mucho tiempo a estar a la espera. Dentro de la cueva, esperando que dejara de llover o esperando la Primavera. El mundo estaba todo pintado y cuando se dieron cuenta de que la lluvia y el sol borraban las pinturas, comenzaron a pintar en cavernas oscuras y de difícil acceso los animales preferidos o los que temían. O estaban esperando o estaban pintando. Durante 40.000 años, los humanos pintaron millones de animales hasta que hace 8.000 años se inventó el alfabeto. Ahí ocurrió la primera gran extinción de la pintura. Deja de haber pinturas en las cavernas y comienza a haber pinturas en los palacios de los reyes. Desde una perspectiva histórica, el arte siempre ha tenido que ver con el poder y como los tiempos siempre son críticos y de transformación social,

 

el arte y los artistas continúan desempeñando el papel que siempre han tenido: en la cueva esperando que pare de llover o pintando los palacios de los reyes. El arte siempre ha sido muy costoso de hacer.

 

Asumiendo el valor del arte, ¿qué recomiendas a los socios coleccionistas del Centro Portugués de Serigrafía?

La asunción del valor del arte es extremadamente variable y el mercado es el más loco e impredecible para los inversores. La banana de Maurizio Cattelan va a subasta en Sotheby’s por un millón y medio... Si el artista más famoso cambia cada 50 años y el arte es lo que queda de las civilizaciones, entonces, deben comprar todo y guardarlo en búnkeres climatizados.