Pedro Portugal
déc. 4, 2024

Pedro Portugal

Interview de João Prates

Pedro Portugal est né à Castelo Branco en 1963 et est l'une des figures emblématiques et multifacettes de l'art contemporain portugais. Formé en peinture à l'École supérieure des beaux-arts de Lisbonne en 1985, il fut l'un des fondateurs du mouvement Homeosthétique, aux côtés de Pedro Proença, Ivo, Manuel João Vieira et Xana. Ce mouvement a défié les normes artistiques établies, promouvant un art chargé d'ironie et de critique sociale. En 2004, le Musée de Serralves a reconnu la pertinence du groupe avec une grande rétrospective. Pedro Portugal a également été l'un des créateurs des mouvements Ases da Paleta, Etno-Estética, Explicadismo, Pandemos, Zuturismo, Arthomem et KWZero.

Ses œuvres sont présentes dans des collections publiques et privées prestigieuses. Spécialiste en information visuelle, Pedro est peintre, sculpteur, aquarelliste, performeur, écrivain, homme politique, penseur, agriculteur, consultant, professeur, chercheur, designer, conférencier et commissaire, abordant l'art comme un domaine d'expérimentation et de critique constants. Cette interview cherche à explorer la trajectoire de Pedro Portugal, en revisitant ses phases les plus significatives, dans le contexte des œuvres désormais éditées. 

 

Quand et comment as-tu réalisé que l'art était ton chemin ?

Lorsque mes parents m'ont emmené à Rome à l'âge de sept ans et que j'ai vu des centaines de femmes et d'hommes nus dans des peintures sur les murs. Lorsqu'une civilisation aime vivre entourée de peintures de femmes et d'hommes nus interagissant de différentes manières et positions dans toutes les pièces de la maison, y compris les chambres des enfants, cela m'a paru à l'époque une profession rentable. Plus tard, j'ai compris que les hommes et les femmes sans vêtements n'avaient en réalité pas de poils pubiens jusqu'à la fin du XIXe siècle, et comment ils ont été représentés au fil des siècles avec des vignes et des cheveux longs sur des milliers de parties intimes. Il en va de même pour le sourire ! Il n'y a pas de représentation de sourires dans la peinture jusqu'à la fin du XIXe siècle.

 

Des femmes et des hommes nus, la bouche fermée, dans des combinaisons mythologiques avec les parties génitales cachées, cela aurait pu être mon parcours ! Mais ce ne fut pas le cas.

 

Quel rôle, selon vous, le mouvement Homeosthétique a-t-il joué dans la scène artistique des années 80 ? Qu'est-ce qu'ils cherchaient à remettre en question ?

Remettre en question tout, comme le font tous les mouvements artistiques, surtout ceux qui les précèdent. L'Homeosthétique est l'épitomé des années 80 et aussi le dernier groupe d'artistes à avoir travaillé ensemble, jusqu'à aujourd'hui. À 23 ou 24 ans, nous avons divisé le monde en six continents et réalisé les plus grandes peintures de l'histoire de l'art au Portugal (200 x 1000 cm). Mais c'est comme ces groupes de rock qui ont un tube en tête du classement et qui se séparent avec une réunion impossible. Dans l'exposition 6=0 HOMEOSTHÉTIQUE à Serralves, réalisée en 2003, on peut voir cet esprit de l'époque dans les œuvres, les photographies, les textes et les manifestes. C'est en réalité une exposition de fin d'année des Beaux-Arts réalisée 20 ans après dans un musée sérieux. Pour comprendre tout de ce groupe fascinant et annulé d'artistes hétérosexuels, amateurs de sexe, d'alcool, de drogues, de rock, d'art, de théâtre, de cinéma, d'architecture et de voitures, le catalogue édité par Serralves et le documentaire réalisé par Bruno de Almeida expliquent tout. Je fais également un livre avec les milliers de photos de personnes que j'ai prises avec les premières autofocus lors de fêtes et d'inaugurations : OS8Ø. Artistes, collectionneurs, galeristes, critiques et personnes qui aiment la vie, qui circulaient dans les galeries et les musées à l'époque. Plus de la moitié sont déjà décédés.

 

À partir des années 90, vous avez commencé à explorer d'autres moyens d'expression, comme la photographie, l'informatique, la sculpture et l'installation. Pourquoi vous êtes-vous tourné vers ces langages et comment abordez-vous l'idée et le processus ?

J'ai arrêté la photographie en 1995. Les artistes ont toujours cherché à utiliser les innovations technologiques pour leur art, mais l'attribution et le sens sont très différents dans l'histoire. Les Grecs n'avaient pas de mot pour l'art ni pour le bleu. Techne était le mot le plus proche pour l'art : la technique. La couleur de la mer était quelque chose proche de la couleur du vin rouge foncé. La perspective est une invention technique immédiatement utilisée par les artistes, puis le tube de peinture qui a permis aux artistes de peindre en extérieur et de créer l'impressionnisme.

 

En 1996, vous avez présenté la première exposition en ligne d'un artiste portugais. Cette année-là a également marqué votre collaboration indirecte avec le CPS dans la première galerie portugaise que nous avons eue à Madrid, la Blanca de Navarra. Quels souvenirs gardez-vous de cette exposition et ce qu'elle a représenté pour vous ?

La présentation au Forum Picoas de l'exposition "Femmes et hommes nus avec la bouche fermée dans des combinaisons mythologiques avec les parties génitales cachées aurait pu être mon parcours ! Mais ce ne fut pas le cas. L'exposition virtuelle "Dernières Peintures" a été un échec commercial car à l'époque, il y avait 80 000 personnes avec un accès à Internet au Portugal avec des modems 28,8k. J'ai abandonné la technologie à cause de la célèbre obsolescence. La Culturgest possède une de mes œuvres de 2001 qui inclut un logiciel qui fonctionne sous Windows 98. L'institution garde un ordinateur de cette époque pour l'utiliser chaque fois que l'œuvre est présentée. La Blanca de Navarra était la grande galerie avant-gardiste de la péninsule ibérique dans les années 90.

 

Certaines de vos œuvres sont profondément interventionnistes, comme l'« eucalyptus inversé avec voiture de luxe » sur le rond-point du Relógio, le « circuit de maintenance » dans les escaliers du Palais de São Bento ou la « bouteille d'eau du barrage d'Alqueva ». Toutes avec des préoccupations écologiques. Quelle est la dimension sociale et politique que vous attribuez à votre œuvre ?

Apparemment, les choses artistiques qui sont mises dans la rue ont tendance à provoquer des tumultes. Plus à cause du sens qui leur est attribué. Planter un eucalyptus avec la racine vers le haut est politiquement et socialement acceptable, même écologiquement, parce que l'arbre était malade et devient un objet curieux, il ressemble à un tronc avec un nid au-dessus. Mais le peindre en orange, stationner une voiture de luxe à côté, et mettre une grande plaque en granit disant "MONUMENT AU L'ÉTAT ORANGE" quelques mois avant les élections législatives, passe de l'inacceptable à l'abattage. À une époque où Cavaco avait promu l'eucalyptus comme du pétrole vert, avec plus d'articles dans le Públio et l'Expresso — l'ex-adjoint au maire du tourisme de la CML, Victor Costa, profitant du fait que c'était un programme d'art éphémère, ordonne de couper le monument une semaine plus tard. Lâchement pendant la nuit. En janvier 2025, j'installerai à Lisbonne près du Tage le grand "MONUMENT À LA FORÊT PORTUGAISE". Un eucalyptus planté avec la racine vers le haut, mais cette fois peint avec du caoutchouc liquide, comme nos sous-marins, et éclairé la nuit avec du rouge RAL 3000 (la couleur des camions de pompiers). Un monument iconique et sacrificiel aux plus de 150 000 hectares qui ont brûlé cette année. Le Portugal brûle à cause de la législation qui permet aux quatre reines mauvaises des industries du bois et du papier de dominer le paysage au Portugal. Un hectare d'eucalyptus peut rapporter jusqu'à 20 000 € tous les neuf ans (le double du chêne), ce qui en fait la culture la plus rentable. Même brûlés, ils rapportent de l'argent. Les quatre reines mauvaises financent des universités, des associations écologistes, des groupes de protection de la nature, des publications, sponsorisent des programmes télévisés, des chaînes, des radios, et maintenant, bénéficiant de la nouvelle législation sur le marché du crédit carbone, elles se préparent à certifier leurs forêts d'eucalyptus (les plus grands fossoyeurs de carbone) et à toucher 80 € par hectare/an. Les Romains, quand ils nous ont visités il y a 2 000 ans, décrivent une forêt de châtaigniers jusqu'à Ericeira. Quand Napoléon envahit le Portugal, les registres parlent d'un désert jusqu'à la mer... Je préfère regarder la planète comme James Lovelock ou Terence McKenna et ne rien faire dans une forêt de chênes de la taille de Monsanto, à 700 m d'altitude, où je vis avec ma femme, un petit garçon et deux borzoïs blancs.

 

L'une des éditions présentées est issue de l'une de vos peintures. Comment voyez-vous aujourd'hui la place du dessin et de la peinture dans votre pratique artistique ?

J'ai arrêté de peindre en 1996 avec l'exposition virtuelle "Dernières Peintures", mais je continue à faire des séries de dessins que j'encadre dans des bois d'arbres éteints. Aujourd'hui, la plupart des œuvres que je produis sont faites en usine ou par des artisans.

 

Dans "Bananoji", il y a une référence ironique, et aussi ludique, directement à Maurizio Cattelan, et indirectement, à Warhol, aux Velvet Underground et à Duchamp. Comment interprétez-vous ce réseau de références ?

Les artistes créent des œuvres d'art à partir des œuvres d'autres artistes. Picasso picassa toute l'histoire de l'art. "Bananoji" est un jeu linguistique et une interrogation philosophique sur le vide sémantique des symboles dans la culture contemporaine. L'une des nombreuses manières de faire de l'art est de combiner deux choses qui n'ont jamais été associées dans un musée ou une galerie d'art : une banane et du ruban adhésif. Un icône qui détrône 107 ans de domination d'un urinoir en céramique qui n'était même pas de Duchamp. C'est le devenir signalé par Deleuze dans la transformation des liens et des catégories dans le temps.

 

L'art se plie lorsqu'il y a un "événement" comme un urinoir retourné et appelé "Fountain" ou lorsqu'une banane est collée au mur avec du ruban adhésif et appelée "Comedian".

 

Comme la validation de l'art est certifiée par les galeries et les musées, le travail des artistes aujourd'hui est de convaincre les propriétaires de galeries et les directeurs de musées de mettre dans ces espaces, qui ont la capacité magique de transformer des combinaisons d'objets ou de choses qui n'ont pas encore été combinées, comme un urinoir en crotte d'éléphant ou deux canettes de bière par terre et obtenir la sanction en tant qu'art. Attention, c'est aussi l'argument de l'extrême droite. Camille Paglia dit qu'il y a une orthodoxie monolithique impérative dans le monde de l'art qui n'est pas bonne pour l'art. Tout est stérile, nivelé et avec une inflation de médiocrité jamais vue. Ou pour Roger Scruton : L'art des 100 dernières années est une fraude, une illusion outrageante qui ne sert qu'à être jetée à la poubelle. Il y a environ un an, j'ai parlé avec l'un des plus grands collectionneurs du Portugal qui n'achète de l'art que jusqu'au XVIIIe siècle. Lors de la conversation, j'ai demandé s'il avait jamais essayé d'acheter de l'art contemporain. La réponse était que les artistes contemporains ne sont intéressés qu'à faire de l'art pour choquer le public.

 

Tu es critique du milieu artistique et des systèmes de légitimation culturelle. Ta série d'emojis évoque des figures comme Dalí, Frida Kahlo, Warhol et Lichtenstein, croisant ironie et rire. Comment vois-tu l'humour comme forme de subversion ?

L'art est une chose très sérieuse, il fait travailler beaucoup de personnes et on ne peut pas se moquer de l'art. J'ai un sens de l'humour négatif et c'est peut-être pour cela que je peux être interprété comme susceptible de comicité ou d'ironie, à laquelle je suis également étranger. Critique du milieu artistique, oui, et des systèmes de légitimation culturelle aussi. J'ai écrit des dizaines d'articles dans des journaux et des magazines à ce sujet. Et oui, il a fallu que je sois celui qui invente la Commission des Acquisitions d'Art Contemporain de l'État. J'ai négocié d'un million à 300 000 € avec le radin de Centeno mais maintenant c'est un million par an. Pendant les deux années où j'ai fait partie du jury (pendant la pandémie), cela s'est très mal passé et j'ai failli démissionner. J'ai écrit un texte sur "Ma Aventure dans la Commission des Acquisitions", qui inclut la lettre de démission. À publier plus tard... La DGARTES continue à avoir 8 % du budget pour les arts visuels. Aucun ministre de la culture n'a changé cela ces 50 dernières années. Un de mes amis, employé au Musée du Chiado, ne s'est plus présenté au musée car il dit que le Musée du Chiado n'existe pas. J'ai eu une discussion avec une ancienne ministre de la culture qui pensait que la DGARTES ne devait pas payer la production d'œuvres aux artistes parce que les artistes pouvaient ensuite vendre... La DGARTES paie les pinceaux, les peintures et les toiles à l'artiste et ensuite le vaurien vend les peintures ! Il y a une totale illétracy visuelle dans la classe politique. Il n'y a qu'un seul politicien qui a suivi un cours d'arts visuels, mais son avis sur les artistes est qu'ils sont des vauriens : Sérgio Sousa Pinto.

 

Nous comprenons les éditions effectuées dans le CPS comme humanisées et collaboratives, facilitant l'accès à l'art. Quelle est, selon toi, la fonction sociale de l'œuvre graphique et des multiples d'art ?

La fonction sociale de l'art est-elle comme l'habitat social ? Il y a le "quiet luxury" des super-riches cool qui mettent Monet dans les toilettes ou dans le dressing. Impossible d'acheter une robe Balenciaga mais il est possible d'acheter un foulard ou un petit accessoire. C'est ainsi qu'ils font de l'argent. Les membres du CPS doivent réfléchir à quelle distance ils considèrent l'investissement qu'ils font en achetant un multiple. À 500 ou à 5 000 ans ? Si c'est à 5 000 ans, il est conseillé de choisir des œuvres en céramique ou en verre. Le papier peut se conserver jusqu'à 500 ans. Avec les couleurs, il n'y a aucune garantie. La garantie de LIQUITEX est de 50 ans et les Rothkos ont commencé à disparaître...

 

Nous vivons une époque troublée et pleine de grands défis. Quel rôle l'art doit-il jouer, en temps de crise et de transformation sociale ?

En réalité, toutes les époques ont été troublées et pleines de grands défis. Il y a eu un moment au début de l'histoire où les humains ont passé beaucoup de temps à attendre. À l'intérieur de la grotte, en attendant que la pluie cesse ou le printemps arrive. Le monde était entièrement peint et quand ils ont compris que la pluie et le soleil effaçaient les peintures, ils ont commencé à peindre dans des grottes sombres et difficiles d'accès les animaux qu'ils préféraient ou ceux qu'ils redoutaient. Soit ils attendaient, soit ils peignaient. Pendant 40 000 ans, les humains ont peint des millions d'animaux jusqu'à ce qu'il y a 8 000 ans, l'alphabet soit inventé. À ce moment-là, la première grande extinction de la peinture a eu lieu. Il n'y a plus de peintures dans les grottes et les peintures se trouvent dans les palais des rois. D'un point de vue historique, l'art a toujours été lié au pouvoir et comme les temps sont toujours critiques et en transformation sociale,

 

L'art et les artistes continuent de jouer le rôle qu'ils ont toujours eu : dans la grotte en attendant que la pluie cesse ou en peignant les palais des rois. L'art a toujours été très cher à faire.

 

En assumant la valeur de l'art, que recommandes-tu aux membres collectionneurs du Centre Portugais de Sérigraphie ?

L'assumption de la valeur de l'art est extrêmement variable et le marché est le plus fou et imprévisible pour les investisseurs. La banane de Maurizio Cattelan a été mise aux enchères chez Sotheby's pour un à un million et demi... Si l'artiste le plus célèbre change tous les 50 ans et que l'art est ce qui reste des civilisations, alors ils devraient acheter tout et le garder dans des bunkers climatisés.