Regina Frank
13 de Julho de 2021

Regina Frank

The HeArt is Present

As duas recentes exposições individuais simultâneas de Regina Frank (Messkirch, Alemanha, 1965) em Lisboa, Silenced Science no Museu de História Natural e Silenced Sides na Galeria António Prates, mostraram um percurso artístico único, afirmando uma prática ritual de performance, potenciada pelos seus encontros com figuras de referência como John Cage ou Marina Abramovic, no início da década de 90. São distintos afluentes do silêncio para expressar as suas preocupações ambientais, a urgência da espiritualidade, o gesto lento, o tempo poético, a intuição espontânea, o estado de contemplação.

 

Num destaque justo, o CPS esteve associado a este evento, com um conjunto de fotografias que assinalam os 30 anos de exposições da artista em vários museus dos EUA, Ásia e Europa e também com e edição da serigrafia The Other Side of the Screen resultante da performance inédita que a artista fez no Atelier e que foi gravada em vídeo.

 

 

 

Com estas edições, o CPS introduz uma nova disciplina artística, Performance. Qual é o seu contexto e relevância para hoje?

No nosso dia-a-dia, especialmente com esta crise recente, precisamos mais de algo essencial. A performance é uma transformação do momento numa presença completa, é criada a partir do momento para o momento e para o público presente. Quando é verdadeiramente espontânea e aberta, algo mágico pode acontecer, o artista e o público tornam-se um só e nesse processo evoluem juntos. É mais relevante que nunca porque a performance pode ajudar a transformar esses momentos numa realidade completa, espiritualmente sem qualquer ligação a religião organizada. Todos os rituais que surgem nas minhas performances estão ligados a tradições antigas de um eu muito antigo, um início de História, há milhares de anos atrás.

Enquanto atuo em câmara lenta, abrando o tempo e tento levar-nos àquele lugar onde o tempo e o espaço se fundem no ponto de ilusão que são.

  

Numa performance passou 49 dias no mesmo local. De que forma as imagens selecionadas são uma memória e um documento desta experiência viva que constitui cada performance?

Sim, foi a Hermes Mistress. Foi ainda mais longa. Mas fiquei lá dentro sem sair da instalação durante 7x7 dias. Mas a performance mais longa dura há 28 anos, agora celebrados!

As imagens são um catalizador importante para mim porque captam a sensação do tempo. Tento com cada fotografia capturar a essência desse processo e presença. São documentos muito importantes porque são artefatos de memória que daí resulta. Não estou muito ligada ao produto para mim, é mais sobre o processo, mas essas imagens são a materialização de memórias, momentos da história e por isso são preciosos.

 

Além da performance na montra da Galeria António Prates, no dia de abertura, realizou mais uma performance no Atelier CPS que lida diretamente com a própria técnica – o ecrã serigráfico. Pode resumir este último?

Foi um momento incrível. Primeiro, cheguei uma hora atrasada porque não conseguia encontrar estacionamento. Foi um exercício zen tão completo que cheguei com uma mentalidade muito diferente. Em seguida, organizei o fundo com cores. E um dos potes de cores mistas caiu nas minhas sandálias completamente novas e no meu pé. Foi hilariante, acabei a rir. Mas assim que me sentei em frente do primeiro quadro serigráfico, olhando através da sua teia cintilante, tudo simplesmente se encaixou e eu entrei em mim mesma e pintei os cinco quadros, a partir de um lugar antigo. Eu amo essas pinturas. Depois de ter todas as pinturas, pedi para se fazer imagens contrastantes. E então o processo de composição começou. Percebi que tenho 5x5x5x5x5 possibilidades. Portanto, o resultado é quase sem fim, eu poderia brincar com estas cinco pinturas durante 28 (4x7) anos, todos os dias, e criar sempre uma obra diferente. Mas depois a decisão foi fácil, escolhi as minhas cores favoritas: um amarelo-dourado - quente rico e saturado, um vermelho quente e forte e que me lembra o S. Jerónimo de Caravaggio, com uma tonalidade ligeiramente azulada, um turquesa que é usado em muitas mesquitas e azulejos árabes, um azul ultramarino profundo (que é a cor além do mar) originalmente feito a partir da pedra lapis lazuli que tem poderes curativos. E por fim um roxo-violeta para a última camada de frequência mais alta. As cores misturaram-se muito bem e evoluíram umas para as outras. 

 

Onde está o outro lado?

Essa é uma boa pergunta, já que o outro lado também não é um lado. É aquele reino onde encontramos o nosso verdadeiro eu que é independente de toda a existência, perfeitamente em paz com tudo o que é. O outro lado é quando se cai no vazio e na abundância ao mesmo tempo, onde tudo é nada e nem está presente. E então aquele lado nem sequer existe... Eu preferiria ficar para sempre lá... mas se nos habituarmos, talvez depois não seja tão bom como quando nos conectamos a ele após estarmos do lado do "mundo" durante algum tempo.

  

Cada quadro serigráfico da sua obra The Other Side Of The Screen foi feito em câmara lenta. O resultado é muito dinâmico. Como explica?

À medida que trabalho em câmara lenta, abrando o tempo para tal ponto que se torna incrivelmente acelerado. A mente, liberta da restrição do tempo espacial, começa a voar. É por isso que talvez a pintura em câmara lenta quase se pareça com uma explosão de cor. Às vezes, quando nos sentamos quietos, viajamos mais rápido, porque entramos noutro veículo. É assim que devemos imaginar esta técnica de pintura em câmara lenta. Quando corres, chegas a um destino mas tens que mover muito o corpo. Quando te sentas num avião é uma coisa diferente. Esta câmara lenta é um pouco como um avião... Entro, sento-me quieta e levanto voo (risos).

  

The Other Side of the Screen - Serigrafia resultante da performance da artista no Atelier CPS

 

Que importância atribui ao desenho, à obra gráfica e ao múltiplo no contexto do seu trabalho?

Para mim, desde os 4 anos, é como respirar. Sempre encontrei paz e sossego no desenho, ajudava a sentir-me equilibrada, feliz e precisava dele como de comida. O meu melhor amigo não era um brinquedo, era o meu lápis. Contei-lhe tudo. Tinha-o à noite a meu lado e de manhã voltava para o meu bolso, como um amuleto da sorte. A minha mãe guardava muitos desenhos meus em caixas, borrifava-os com laca, datados e arquivava-os. Ganhei alguns prémios quando era criança, alguns desenhos meus foram capas de agendas telefónicas — nunca me importei com isso, embora as outras pessoas sim. Ficava feliz só por desenhar e por poder contar histórias no papel. Isso deu algum sentido à minha vida.

Durante 35 anos desenhei todos os dias, pelo menos um rabisco, na escola fui autorizada a desenhar durante as aulas, porque sempre soube as respostas certas às perguntas, e por isso o desenho ajudava a não me escapar da escola. Delicadamente apenas colocava uma questão quando tinha a certeza de que o professor estava errado. Isso deu-me crédito suficiente para poder sonhar nas aulas e concentrar-me no meu mundo interior. Na universidade passava todo o meu tempo a fazer experiências com instalações, impressão, soldadura, madeira, fotografia, escultura... Era o paraíso. Estava tão dedicada, tão motivada, que um dia o meu professor deu-me as chaves quando saiu e deixou-me ficar a trabalhar durante a noite.

Enquanto fazia o mestrado, já ia na minha terceira mostra, desta vez no MOCA em Los Angeles. Todo o meu trabalho tinha sido vendido ou estava exposto. Então mostrei apenas esboços e protótipos e contei-lhes sobre o meu processo. Mostrei-lhes um vídeo da minha performance no Museu de Arte Contemporânea e fiz uma palestra. Baselitz e Katharina Sieverding ficaram muito impressionadas com o meu trabalho. Mas tive a sensação de que a maioria dos outros professores não o compreendia. A minha obra gráfica salvou o meu mestrado. Serviu para os colecionadores mais tradicionais compreenderem o meu trabalho. Sempre foi uma forma de financiar grandes projetos de desempenho efémero. Fiz colagens com os tecidos que sobraram dos meus vestidos, desenhos e impressões para recordação e como meio de financiamento. É algo que aprendi com Cristo. É também uma ótima maneira de criar memórias.

Quando comecei a fazer trabalho digital tinha a vantagem de não usar tanto papel. Viajei com uma mala durante 21 anos e enviava o material de volta para o armazém. Era uma vantagem produzir coisas que tinham menos peso e volume. Então mudei para rabiscos digitais. Não é a mesma coisa, mas agora o meu telemóvel está comigo. E tenta respirar performance, fazer de tudo uma performance também, com a mesma consciência de viver cada momento com total atenção e entregar-se ao presente como uma dádiva, como uma oferta.

  

O que gostaria de transmitir aos jovens colecionadores e amantes do seu trabalho?

Significa muito para mim os colecionadores privados comprarem o meu trabalho. Já vendi principalmente a museus, ou colecionadores cujas coleções estão expostas, mas adoro quando o meu trabalho está pendurado numa sala de estar. Muitas vezes não sei para onde foi e quando o vejo fico tão contente. Eu coleciono as imagens que os colecionadores me enviam com obras minhas na sua parede. Num, o meu trabalho é entre um Robert Rauschenberg e um Sol Lewitt. Outro ao lado de um Marcel Duchamp. Isto foi surpreendente para mim porque para aqueles colecionadores o meu trabalho custa amendoins. Assim, tenho muito mais trabalhos em casas particulares porque gostam do meu trabalho, para decorar a sua casa ou escritório, do que os que o fazem apenas porque são colecionadores. Muitos millennialsidentificam-se, por causa do meu lado digital e a Geração Z porque lhes lembra algo que eles conhecem há muito; é um pedaço do meu coração que está lá e sinto-me abençoada por ter esta carreira.

 

Como é que o contacto direto com a arte contribui para a melhoria da sociedade contemporânea?

Para mim as artes, incluindo a música, cinema e teatro, são impactantes no nosso dia a dia. Hoje tenho a sensação de que o cinema se liga mais com as pessoas. Os museus são um fenómeno bastante recente, do século XVII. A primeira arte foi nas paredes das cavernas, depois a arte estava em igrejas, templos e castelos.  Só com o Wunderkammer (chamberofmiracles) é que é que passou a existir algo parecido a um museu, e mais tarde, com a abertura das Galerias Uffizi, aí sim, um verdadeiro museu de arte.  Esses lugares eram um espaço onde as pessoas passavam tempo a contemplar, renovando a ligação espiritual com o seu verdadeiro eu. Faziam-no nos museus e na natureza.

Agora estamos um pouco perdidos. Temos Tv, cinema, ciência, museus e templos, mas seja de que religião forem, não são tão bons. A nossa ligação à natureza é limitada e distraída pelos nossos telefones e pelos veículos que usamos para lá chegar.

No espaço de 1 ano, se dormirmos 8 horas por dia, dormimos um total de 118 dias e passamos pelo menos 50 dias ao telefone. Quantos dias passamos a observar as nuvens, a conectarmo-nos com a natureza, a arte, a ciência, e o nosso verdadeiro eu, a energia universal, deus, alá, jahweh... chame-lhe o que quiser. A arte é um ponteiro para o essencial, mas, novamente, o essencial não é visível aos olhos... (risos).

Raramente existiam pinturas nas casas das pessoas. Agora temos galerias, colecionadores e investidores, e um mercado. Temos igrejas, palácios e muito de tudo, mas nada parece nos satisfazer. A ironia é que quanto mais temos, mais parece que queremos. (Começa a cantar - I can’t get no satisfaction). A arte pode mostrar-nos o caminho de volta. É uma dessas formas. Meditação é outra. Música para dançar… tudo formas de nos ligarmos de volta a esse intemporal que liga tudo.

 

Num mundo vertiginoso e global, o que se espera atualmente de um artista?

Não faço ideia (Risos). De mim, espero ser um veículo. Ser o pincel liderado por uma mão imaginária para transformar, transcender e criar consciência, talvez para trazer alguma beleza. Miguel Ângelo disse: a escultura já está completa dentro do bloco de mármore, antes de eu começar o meu trabalho. Já lá está, só tenho de tirar o material supérfluo. Just cut the crap e descobre a essência (risos).