regina frank
Jul. 13, 2021

regina frank

El corazón está presente

Las dos recientes exposiciones individuales simultáneas de Regina Frank (Messkirch, Alemania, 1965) en Lisboa, Ciencia silenciada en el Museo de Historia Natural y Lados silenciados< /em> en la Galería António Prates, mostró un recorrido artístico único, afirmando una práctica performativa ritual, potenciada por sus encuentros con figuras de referencia como John Cage o Marina Abramovic, a principios de los años 90. Son distintos afluentes del silencio para expresar sus preocupaciones medioambientales, la urgencia de la espiritualidad, el gesto lento, el tiempo poético, la intuición espontánea, el estado de contemplación.

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En un momento destacado, la CPS estuvo asociada a este evento, con un conjunto de fotografías que marcan los 30 años de exposiciones del artista en varios museos de EE.UU., Asia y Europa y también con una edición de la serigrafía The Otro Ladodela Pantalla resultado de la actuación sin precedentes que realizó el artista en el Atelier y que fue grabado en vídeo.

 

 

 

Con estas ediciones, CPS introduce una nueva disciplina artística, la Performance. ¿Qué es? ¿Cuál es su contexto y relevancia para hoy?

En nuestra vida diaria, especialmente con esta crisis reciente, necesitamos algo más esencial. El rendimiento es una transformación del momento en presencia completa, es creado desde el momento para el momento y para la audiencia presente. ¿Cuando es? Es verdaderamente espontáneo y abierto, algo mágico puede suceder, el artista y el público se vuelven uno. y en este proceso evolucionan juntos. É Es más relevante que nunca porque la actuación puede ayudar a transformar estos momentos en una realidad completa, espiritualmente sin ninguna conexión con la religión organizada. Todos los rituales que aparecen en mis performances están vinculados a tradiciones ancestrales de un yo muy antiguo, un comienzo de la Historia, hace mucho tiempo. hace miles de años.

Mientras actúo en cámara lenta, ralentizo el tiempo e intento llevarnos a ese lugar donde el tiempo y el espacio se fusionan en el punto de ilusión de que son .

  

En una actuación permaneció 49 días en el mismo lugar. ¿Cómo son las imágenes seleccionadas una memoria y un documento de esta experiencia viva que constituye cada performance?

Sí, era la Mistress Hermes. Fue aún más largo. Pero me quedé allí. dentro sin salir de las instalaciones durante 7x7 días. Pero el rendimiento más largo dura. ¡28 años, ahora celebrados!

Las imágenes son un catalizador importante para mí porque capturan la sensación del tiempo. Intento con cada fotografía capturar la esencia de este proceso y presencia. Son documentos muy importantes porque son artefactos de la memoria que dan lugar a una nueva vida. resultados. Para mí no estoy muy apegado al producto, es solo un producto. Más sobre el proceso, pero estas imágenes son la materialización de recuerdos, momentos de la historia y por eso son preciosas.

 

< span style="color: #c2a476;">Además de la actuación en el escaparate de la Galería António Prates, el día de la inauguración, hubo otra actuación en el Atelier CPS que trata directamente sobre la técnica en sí: la pantalla impresión de pantalla. ¿Puedes resumir este último?

Fue un momento increíble. Primero, llegué una hora tarde porque no encontraba estacionamiento. Fue un ejercicio Zen tan completo que llegué con una mentalidad muy diferente. Luego organicé el fondo con colores. Y una de las vasijas de varios colores cayó sobre mis sandalias nuevas y sobre mi pie. Fue muy gracioso, terminé riéndome. Pero tan pronto como me senté frente a la primera pintura serigrafiada, mirando a través de su red brillante, todo encajó en su lugar y entré dentro de mí y pinté las cinco pinturas, desde un lugar antiguo. Me encantan estas pinturas. Después de tener todas las pinturas, pedí hacer imágenes contrastantes. Y entonces empezó el proceso de composición. Me di cuenta de que tengo 5x5x5x5x5 posibilidades. Por lo tanto, el resultado es Casi sin cesar, pude jugar con estos cinco cuadros durante 28 (4x7) años, todos los días, y crear siempre una obra diferente. Pero luego la decisión fue fácil, elegí mis colores favoritos: un amarillo dorado - cálido, rico y saturado, un rojo cálido y fuerte que me recuerda al San Jerónimo de Caravaggio, con un tono ligeramente azulado, un turquesa que es Se utiliza en muchas mezquitas y azulejos árabes, un azul ultramar profundo (que es el color más allá del mar), elaborado originalmente a partir de la piedra lapislázuli, que tiene poderes curativos. Y finalmente un violeta violeta para la última capa de frecuencia más alta. Los colores se combinaron muy bien y evolucionaron entre sí. 

 

Dónde es ¿el otro lado?

Eso es todo. Esa es una buena pregunta, ahora. que el otro lado tampoco esta Un lado. É ese reino donde encontramos nuestro verdadero yo que es independiente de toda existencia, perfectamente en paz con todo lo que es. El otro lado es cuando caes en el vacío y la abundancia al mismo tiempo, donde todo está vacío. nada y ni siquiera es verdad. regalo. Y luego ese lado ni siquiera existe... Preferiría quedarme ahí para siempre... pero si nos acostumbramos, tal vez después no sea tan bueno como cuando nos conectamos a él después de estar del lado de "mundo" por un tiempo.

  

Cada fotograma serigrafiado de su trabajar El Otro Lado delaPantalla se hizo en cámara lenta . El resultado es muy dinámico. ¿Cómo lo explicas?

À Mientras trabajo en cámara lenta, ralentizo el tiempo hasta tal punto que se vuelve increíblemente acelerado. La mente, liberada de la restricción del tiempo espacial, comienza a volar. É Por eso quizás la pintura en cámara lenta casi parezca una explosión de color. A veces, cuando nos quedamos quietos, viajamos más rápido porque nos subimos a otro vehículo. É Así deberíamos imaginarnos esta técnica de pintura en cámara lenta. Cuando corres llegas a un destino pero tienes que mover mucho el cuerpo. Cuando te sientas en un avión es muy fácil. algo diferente. Esta cámara lenta es Es un poco como un avión... Entro, me siento tranquilamente y despego (risas).

  

El otro lado de la pantalla - Serigrafía resultante de la actuación del artista en Atelier CPS

 

¿Qué importancia le das al dibujo, al diseño? ¿La obra gráfica y lo múltiple en el contexto de tu obra?

Para mí, desde que tenía 4 años, ha sido un sueño. cómo respirar. Siempre encontré paz y tranquilidad en el dibujo, me ayudaba a sentirme equilibrada, feliz y lo necesitaba como alimento. Mi mejor amigo no era un juguete, era mi lápiz. Le dije todo. Lo tenía a mi alcance. la noche a mi lado y la mañana; volvería a mi bolsillo, como un amuleto de buena suerte. Mi madre guardaba muchos de mis dibujos en cajas, los rociaba con laca, les fechaba y los archivaba. Gané algunos premios cuando era niño, algunos de mis dibujos aparecían en las portadas de guías telefónicas; A mí nunca me importó, aunque a otras personas sí. estaba feliz solo para dibujar y poder contar historias en papel. Esto le dio cierto sentido a la historia. mi vida.

Durante 35 años dibujé al menos un garabato todos los días, en la escuela me permitían dibujar durante las clases, porque siempre sabía las respuestas correctas a las preguntas, y es por eso que El dibujo me ayudó a no escapar de la escuela. Sólo hizo una pregunta con delicadeza cuando estuvo seguro de que el maestro estaba equivocado. Esto me dio suficiente crédito para poder soñar en clase y concentrarme en mi mundo interior. En la universidad pasaba todo el tiempo experimentando con instalaciones, imprenta, soldadura, madera, fotografía, escultura... Era el paraíso. Estaba tan dedicada, tan motivada, que un día mi profesor me dio las llaves cuando se fue y me dejó trabajar toda la noche.

Mientras hacía el máster, ahora Iba a mi tercer show, esta vez en el MOCA de Los Ángeles. Todo mi trabajo había sido vendido o estaba en exhibición. Así que simplemente les mostré bocetos y prototipos y les hablé de mi proceso. Les mostré un vídeo de mi performance en el Museo de Arte Contemporáneo y di una charla. Baselitz y Katharina Sieverding quedaron muy impresionadas con mi trabajo. Pero tuve la sensación de que la mayoría de los otros profesores no lo entendían. Mi obra gráfica salvó mi maestría. Ayudó a los coleccionistas más tradicionales a comprender mi trabajo. Siempre ha sido una forma de financiar grandes proyectos con desempeño efímero. Realicé collages con las telas sobrantes de mis vestidos, dibujos y estampados como recuerdo y como medio de financiación. É algo que aprendí de Cristo. É También es una excelente manera de crear recuerdos.

Cuando comencé a hacer trabajos digitales tenía la ventaja de no usar tanto papel. Viajé con una maleta durante 21 años y envié todo al almacén. Era una ventaja producir cosas que tuvieran menos peso y volumen. Así que cambié a los garabatos digitales. No lo es Es lo mismo, pero ahora mi celular está conectado. conmigo. Y trata de respirar performance, hacer de todo también performance, con la misma conciencia de vivir cada momento con total atención y entregarte al presente como regalo, como ofrenda.

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¿Qué te gustaría transmitir a los jóvenes coleccionistas y amantes de tu obra?

Significa mucho para mí que coleccionistas privados compren mi obra. Ahora Vendí principalmente a museos o coleccionistas cuyas colecciones están en exhibición, pero me encanta cuando mi trabajo está en exhibición. colgado en una sala de estar. Muchas veces no sé a dónde fue y cuando lo veo me siento muy feliz. Colecciono las imágenes que me envían los coleccionistas con mis obras en sus paredes. En uno, mi trabajo es entre un Robert Rauschenberg y un Sol Lewitt. Otro al lado de un Marcel Duchamp. Esto me sorprendió porque para esos coleccionistas mi obra cuesta una miseria. Entonces trabajo mucho más en casas particulares porque les gusta mi trabajo, para decorar su casa o su oficina, que aquellos que lo hacen sólo porque son coleccionistas. Muchos millennialsse identifican con mi lado digital y Geração Z porque les recuerda algo que Lo sé desde hace mucho tiempo. muy; es un pedazo de mi corazón que está contigo. allá y me siento bendecido por tener esta carrera.

 

¿Cómo es? ¿El contacto directo con el arte contribuye a la mejora de la sociedad contemporánea?

Para mí, las artes, incluidas la música, el cine y el teatro, tienen un impacto en nuestra vida diaria. Hoy tengo la sensación de que el cine conecta más con la gente. Los museos son un fenómeno muy reciente, que se remonta al siglo XVII. El primer arte estuvo en las paredes de las cuevas, luego el arte estuvo en iglesias, templos y castillos. con la Wunderkammer (cámarademilagros) es; cual es que llegó a haber algo parecido a un museo, y más tarde, con la apertura de las Galerías de los Uffizi, hubo sí, un verdadero museo de arte.  Estos lugares eran un espacio donde las personas pasaban tiempo contemplando, renovando su conexión espiritual con su verdadero yo. Lo hacían en museos y en la naturaleza.

Ahora estamos un poco perdidos. Tenemos televisión, cine, ciencia, museos y templos, pero sean de la religión que sean, no son tan buenos. Nuestra conexión con el mundo la naturaleza es Estamos limitados y distraídos por nuestros teléfonos y los vehículos que utilizamos para llegar allí. llega.

En el espacio de 1 año, si dormimos 8 horas al día, dormimos un total de 118 días y pasamos al menos 50 días al teléfono. ¿Cuántos días pasamos mirando las nubes, conectando con la naturaleza, el arte, la ciencia y nuestro verdadero yo, la energía universal, dios, alah, jahweh... llámalo como quieras? El arte es Es un indicador de lo esencial, pero repito, lo esencial no es esencial. visible a los ojos... (risas).

Rara vez había pinturas en las casas de las personas. Ahora tenemos galerías, coleccionistas e inversores y un mercado. Tenemos iglesias, palacios y mucho de todo, pero nada parece satisfacernos. La ironía es; que cuanto más tenemos, más parecemos querer. (Empieza a cantar - No puedo’tno obtener satisfacción). El arte puede mostrarnos el camino de regreso. É una de estas maneras. La meditación es otro. Música para bailar… todas las formas de conectarnos con esta cosa atemporal que lo conecta todo.

 

En En un mundo vertiginoso y global, ¿qué se espera actualmente de un artista?

No tengo idea (Risas). Por mi parte espero ser un vehículo. Ser el pincel conducido por una mano imaginaria para transformar, trascender y crear conciencia, tal vez para aportar algo de belleza. Miguel Ángel dijo: la escultura ya está viva. es Está completo dentro del bloque de mármol, antes de comenzar mi trabajo. Ahora allá Eso es todo, solo Tengo que quitar el material superfluo. Simplemente déjate de tonterías y descubre la esencia (risas).